1ª parte. Breve paseo sobre la de Historia de la Moda. Presencia de la flor y los motivos vegetales.

La necesidad del hombre de adornar su cuerpo con flores, como parte de su atuendo, se remonta ya a la época primitiva. Viendo como todavía lo hacen hoy en algunos pueblos, se presupone que heredaron de aquellos dicha costumbre ancestral. Flores naturales, naturalmente, que por tradición se llevan prendidas en el cabello, el pecho, cadera y sombrero, aunque más tarde, viendo su efímera duración inventase las flores artificiales. Egipcios y chinos, fueron grandes imitadores de las flores. Miles de años a. C. los egipcios iniciarían una moda  

Antinoo, como Dionisios. Vaticano. C. Commons.

que llegaría a Roma y a Grecia.
Es sabido, que los griegos y romanos utilizaban coronas de flores y hojas confeccionadas con metales preciosos, uso o moda que, como hemos dicho atrás, habian traido de Egipto, pero no solo eran adornos o símbolos de dignidad o jerarquía, o coronando las gestas en los Juegos, si no también signos  y símbolos de iniciación ritual. 

Mujer Fayum. Egipto. Wikipedia

Así mismo, los romanos hicieron uso de coronas artificiales, artesanía que habían traído de Egipto, utilizando para ello marfil, cuero y metales plateados y dorados, incluso de cera y papiro. Las damas romanas adornaban sus vestidos, con flores artificiales hechas de papiro y seda, a la vez que las perfumaban con delicadas esencias. También nació y se expandió en Oriente la moda de ceñirse diademas de flores en la cabeza, como símbolo también de dignidad y jerarquía. Los chinos y japoneses, fueron verdaderos maestros en estas técnicas a destacar, empleando fibra de bambú coloreada y conjugando las flores con plumas de  bellas aves exóticas, de pavos reales y de delicada seda. En palacio, el protocolo exigía a las damas presentarse en la corte adornadas con flores artificiales de melocotonero; algo similar ocurrió en Francia con el vestuario de las damas de María Antonieta, donde era muy común que se adornasen también con motivos florales. Damas que se retrataban como la princesa de Lamballe, con adornos de flores en la enorme peluca y una guirnalda de rosas en la mano. Siguiendo la moda de los disfraces en el Versalles de Luis XIV, las damas acudían a las fiestas, llenas de imaginación y sentido del humor, vestidas de rosas y de naranjas.          

Tocado Kanzashi. Japón. Fuente: Web

En la Edad Media, en las fiestas campestres y en las bodas, las jóvenes adornaban su frente con guirnaldas de flores, siendo considerado un símbolo de virginidad, utilizándose todavía en los casamientos en algunas comarcas, como en Ukrania. En Japón, por ejemplo, aunque con connotaciones distintas, también se usan tocados de flores, moda llamada Kanzashi, pero en esta ocasión, festejando la llegada de la primavera. Y como no, no podía faltar mi cita con España, concretamente en Andalucia, donde el tocado, en forma de flor, junto a la peineta, si se tercia, pone su broche de oro en el famoso traje de flamenca, que lucen ellas, con gracia, salero y señorío, aunque no es óbice, como se aprecia también en la fotografia, abajo, las niñas luzcan diademas o coronas de flores, haciendo de la flor una moda intemporal.

En la fotografía, niñas andaluzas luciendo una, izqda, traje de flamenca  y la otra diadema de flores. Foto familiar.

El gran comercio profano de las flores artificiales adquirió su máximo esplendor en los últimos años de la Edad Media, en Italia; flores confeccionadas con pergamino, terciopelo y seda, siendo ornamento habitual en los peinados de las damas, moda que pasó a Francia llevada por los italianos. Pero el gran desarrollo en su fabricación, sería en el siglo XVII , adquiriendo tal importancia en Francia que solo se podía fabricar bajo privilegio real. A partir de entonces, las flores artificiales serían de común su uso como adorno en las casas y en los altares de las iglesias, incluso para hacer un

Tocado tradicional. Ukrania. Wikipedia

regalo. Sin embargo, en ese mismo siglo, las bellezas de la época Rococó preferían las flores naturales a las artificiales, vestidos que adornaban de lazos y con motivos florales. Luego, con el descubrimiento de América, se remplazarían los materiales habituales en la confección de las flores artificiales, como el papel y las telas, por las plumas de los exóticos pájaros americanos.

Más tarde, llegando el siglo XVIII, hasta los hombres se contagiarían de esa moda, luciendo una flor en el ojal, llegando por exigencias de la elegancia, que tipo de flor se debía usar, según la hora, circunstancia o lugar; por ejemplo, una gardenia se debía llevar en un traje de ceremonia, un clavel en uno de calle, o una violeta en un dandy, era lo más frecuente. Moda que llegaría con el tiempo a los chalecos y corbatas floreadas. En la segunda mitad de ese mismo siglo, Reynolds retrató a las damas inglesas con grandes sombreros floridos, como lo haria Vigee-Lebrun, quien retrató a María Antonieta. Afición floral que culminaría en los comienzos de la época victoriana, 1832, cuando las peinetas ya se decoraban con dibujos vegetales. Un

Maria Antonieta a los siete años. Wikipedia.

claro ejemplo de la moda de dicha época, son los tocados y complementos de flores que lucía Mary Todd Lincoln, la esposa de Abrahan Lincoln, expresidente de Estados Unidos; mujer no muy agraciada, pero inteligente y exquisita en el vestir para la época. Para ampliar las noticias de este auge, en 1834, el periódico vienés, Theaterzeitung, publicaba diversos modelos de peinados y de vestidos florales. Siguiendo estos antecedentes, Renoir, pintó Déjeuner des Canotiers, los sombreros floridos de finales de siglo. Comenzaba ya la moda de la flor a convertirse en una verdadera industria, las flores ya no eran utilizadas como adorno natural, si no que ya se reproducían en joyería y bisutería en exquisitas obras de arte, especialmente en brazaletes, pendientes y broches con los más diversos materiales. Pero ahí no terminaría la cosa, se utilizaría en estampaciones, como en la confección de pañuelos, dejando a un lado aquellos exquisitos y

Princesa de Lamballe. Wikipedia

artísticos pañuelos de encaje, pero poco prácticos, pero que servían para la suspirada y romántica congoja, o dejarlo caer con delicadeza para que lo recogiera el presunto galán de turno. No sería muy práctico, pero era bonito ¿no creen ustedes? Además de los pañuelos, los guantes y un largo etc. la presencia de la flor en los bolsos vieneses de petit point , pinturas, joyería, carteras de mano, cajitas, espejitos de mano, son todo un souvenir en la Viena de ayer y de hoy, moda implantada entre 1800 y 1900, moda importada especialmente de Austria, arte casi universal que todavía conservan, porque lo bello no muere, aunque quede reducido a un museo.

Aunque saliendo un poco del tema que nos ocupa, si la flor en la pintura no se considera una forma también artificial de crearlas,  Sévres, la famosa fábrica de porcelanas, se especializaría en pintarlas al natural. La primera manufactura real se creó en Vicennes, 1740, bajo los auspicios de Luis xv y Madame de Pompadour, trasladándose la fabrica a Sévres en 1756, por iniciativa de la Pompadour, su mecenas, cerca de su castillo de Bellevue, convirtiéndose en real factoria en 1759. En Vicennes, en 1748, se instauró una Fleurisserie, compuesta por una plantilla de una veintena de chicas jóvenes y con una sola dedicación, fabricar flores de porcelana.

Flores de porcelana de la Fleurisserie de Vicennes. Fuente: C. Commons

La atrevida empresa, pues no estaba bien visto que las mujeres trabajasen en ciertas labores, estuvo funcionando hasta 1756, ya que se prohibió trabajar a las mujeres fuera de casa. No obstante, se las ingeniaron para que pudieran hacerlo en sus casas, primero en Vicennes y luego en Sévres, siempre con el cuidado de no tener ningun accidente en el traslado de tan delicadas piezas ya terminadas, en su ir y venir de su casas a la factoria y viceversa. Así pues, las flores artificiales, con permiso de las naturales, llegaron a nuestros días como una gran industria llena de

Vigee-Lebrun. Autoretrato. Wikipedia.

arte, de gracia e ingenio, aunque todo hay que decirlo, se ha perdido, salvo algunos puristas que siempre quedan, esa exquisitez de antaño.

En el siglo XX se producen grandes cambios en la moda, del tema que nos ocupa. Llega la revolución con el Charleston, las flores siguen en la moda y nunca desaparecerán , pero ya no son una prioridad en el vestir y en los tocados. La moda en esa década de los años 20 es más desenfadada, los vestidos se sueltan y aumentan los accesorios. Del tocado en forma de casco y del pequeño sombrerito se pasa al sombrero amplio, acampanado, y se usan bandas, pero para la noche se le añaden plumas y lentejuelas, pero la flor sigue presente de una manera o de otra. Coco Chanel, comenzaba a revolucionar la moda, adaptándola a las necesidades del momento. Su boutique, Chanel Modes, su primera tienda seria en Rue de Cambón, París, será la catapulta para llegar a ser uno de los más

Mary Todd Lincoln

grandes iconos de la moda. Diría: “ La simplicidad es la clave de la verdadera elegancia”  priorizando lo práctico a la ostentación, el movimiento a la encorsetación, además de la simplicidad en los vestidos de noche de bordado y encaje que también creó la genial Coco Chanel.Y no era solo una frase, el conjunto vestido-abrigo o su Traje Chanel, era y son una muestra de ello, y hoy día bajo la batuta genial del diseñador y creador alemán Karl Lagerfeld. Esa simplicidad de Coco la llevaría a cabo en otros productos, como en perfumería, concretamente su famoso Chanel Nº 5, su primer perfume, dígito que no era otro que su número de la suerte; 

Le déjeuner des canotiers. Renóir. 1881. Wikipedia

frasco de diseño cuadrado, sin ostentación, todo lo contrario que hoy día, donde casi siempre es más importante todo lo que envuelve al producto que el propio contenido; así pues, no sería extraño que pensara que la verdadera belleza está en el interior de cada uno, a tenor de su forma de crear las cosas, cosa que se dice mucho pero pocos la practican. Karl Lagerfeld, al incluir la camelia, su flor preferida, como principal protagonista en uno de sus últimos desfiles, creo que es el mejor homenaje

Tienda de Maria Stransky en Viena "La reina del Petit point" sita en el Palacio Imperial de Viena. Fuente: Maria Stransky

que le podía hacer. Chanel, no solo revolucionaria la moda, compitiendo con otros diseñadores que no le iban a la zaga, si no que lo hizo con el peinado, como el estilo garçon, en los años 40, añadiendo plumas y perlas en las cintas.

Coco Chanel. Hulton-Deutsch Collection/Corbis

La II guerra mundial, marcaría la forma de vestir de esos años, austeridad y tonos oscuros, no podía ser de otra manera. Pero no podemos obviar los años 30, por su gran importancia, donde la elegancia era lo principal a tener en cuenta, destacando la silueta femenina dotándola de prendas entalladas, al mismo tiempo que los vestidos son más frescos y abiertos en el bajo, las faldas se alargan, los sombreros se hacen más grandes; aparece el vestido de punto y los primeros pantalones para mujeres, y en el peinado se lleva la media melena con coquetas ondas. No obstante, moda supeditada a la gran crisis del momento en que se vivía, el crack del 29, La Gran Depresión, teniendo que cerrar la bolsa de Nueva York. A pesar de todo, la moda seguía su curso inexorable. Si hay que darle la vuelta a un vestido, pr motivo de la gran crisis, se da, al tiempo de modernizarlo. Es la necesidad humana, inherente, imperiosa, de cambiar, a tenor de los nuevos tiempos, sin

La Gran Depresión. Fuente: Corbis

distinción de sin son buenos o malos. Con la llegada del cine sonoro, los modistos\tas vestirán a las nuevas estrellas del cine, convirtiéndolas en grandes iconos de la moda. Chanel, por ejemplo, firmará un suculento contrato con uno de los magnates del cine. La fotografía tendrá mucho que decir al respecto, donde la estética irá de la mano con la moda y con su desarrollo posterior. El cine, como digo, fue un gran escaparate para que los creadores lanzaran sus creaciones, catapultadas, naturalmente, por la fotografía en las revistas de moda, a la vez que aumentaba la aureola, la belleza, hasta llegar a la sensual y matadora “femme fatale” que envolvía a las grandes divas, hoy se diría su caché. Hasta el extremo de que divas como Marlene Dietrich, tuvieran su icono particular de la moda.

Marlene Dietrich. Fuente Web

Si la fotografía marcó un antes y un después en lo estético en la moda, también lo harán otras formas artísticas de

Karl Lagerfeld. La camelia, flor preferida de Coco Chanel. Hola

vanguardia, como el cubismo en la pintura de Picasso, inspirando en sus creaciones a Vionnet o Chanel; el orfismo de Robert Delaunay o el expresionismo, entre otros, de Paul Klee, de la escuela de La Bauhaus, hasta que fue cerrada con la llegada del nazismo. Más tarde, finales de los 30, se desarrollaría con fuerza el movimiento surrealista, resaltando en importancia en la exposición  del 38 en París; autores como Miró, Man Ray o Dalí, encabezados por André Bretón. Dalí, trabajaría codo a codo con Elsa Schiaparelli, el más importante eslabón entre el surrealismo y la moda. Lo más llamativo y surrealista también, es que Elsa Schiaparelli, creaba sin haber tenido una preparación previa; creadora de la manga pagoda, introductora de la cremallera y revolucionando la moda de los años 30 y 40, con  el vestido esqueleto, el sombrero zapato o el bolso teléfono, entre otras creaciones. No obstante, el surrealismo será una moda temporal, pero marcaria una tendencia ya para siempre. Otros grandes creadores revolucionarían el mundo de la moda, como Lucien Lelong, con grandes  colaboradores que más tarde marcarían su sello personal, como Guivenchi, Dior o Balmain. “La moda está en París o no está” diría a los alemanes durante la ocupación nazi. La guerra supeditaba la moda, la relegaban al plano existente pero no

la destruían; en España, en el 36, grandes

Le Violon d´ingres. By Man Ray. Fuente: Web

modistos como Antonio del Castillo o Balenciaga, continuarían sus carreras en la capital parisina, capital de la moda; como muestra de esa importancia, Mainbocher, el gran diseñador norteamericano, ya tenía su casa de modas en París, a finales de los años XX, como luego la tendrá en Nueva York en 1940. Diseñador de alta costura, vestiría a lo más renombrado de toda una época: desde reinas a princesas, desde aristócratas a grandes actrices y un largo etc…diseños como su “Mainbocher corsé” revolucionarían la línea femenina, hasta entonces la figura sin definirla tanto, dando fama a Horst P, al que se le considera uno de los grandes fotógrafos de la moda, entre otros grandes, autor de la famosa fotografía que lleva el mismo nombre, citado atrás. Una fotografía similar, también de espaldas como la de Horst P, aunque de la época surrealista pero que en cierto modo nada tenía que ver con la moda, uno de sus fundadores, la crearía Man Ray, “Le violón de´Ingres” en 1924. La firma Mainbocher, alcanzaría su

La mainbocher corsé by Horst. Vogue 1939

máxima notoriedad, aunque ya no le hacia falta, al confeccionar el vestido de novia de Wallis Simpson, para su boda con el Príncipe de Gales, Eduardo VIII, notoriedad que iría más allá del vestido, al renunciar este al trono para casarse por amor con la controvertida americana.

Vestido esqueleto. Elsa Chiaparelli. Web

El sombrero zapato. Elsa Chiaparelli. Web

Si las décadas pasadas, fueron de gran creatividad de la moda en todos sus aspectos, incluida los 40, pero con sus luces y sombras, por la depresión económica y por las guerras; los años 50 serán una bocanada de aire fresco, pero no exentas de elegancia, al contrario, diseñadores como Dior o nuestro compatriota Balenciaga, pondrán todo su empeño en hacerlo realidad, aunque países como España, tuviera que seguir padeciendo el éxodo de la libertad y la esclavitud de la moral impuesta, aun así, aunque no con la libertad de otros países de nuestro entorno, tuvo la moda tímidos balbuceos de color en una España negra y gris. La moda de los 50 apuesta por la elegancia, hacer gustar y resaltar las formas femeninas, aderezado por invadores complementos, incluidas la flores. Aparecen los colores pastel y hasta prendas desenfadadas, pero todo con mucho glamour, y en los complementos el estilo naif, palabra que proviene del francés y significa ingenuo, donde destacan en las prendas los colores suaves,

Audrey Hepburn. Años 50. Web.

 

Wallis Simpson y EduardoVIII, el dia de su boda.

recreaciones vintage, encajes, cuellos babero, lazos, algodón en los vestidos, blusas que evocan el romanticismo, estampados Liberty. Y el mismo estilo en los complementos, sombreros de rafia, colgantes retro, broches y diademas, medias-calcetines, zapatos Oxford, o super cómodas bailarinas, zapato intemporal, inspiradas en las zapatillas de ballet, que combina con casi todo, incluso para vestir, añadiendo un poco más de tacón. La esencia de esta moda, como en la pintura naif, era crear un clima de romanticismo femenino, elegante, pero a la vez desenfadado con toques de infantilidad e ingenuidad.

Recreación de la moda de los 50, en la serie Amar en tiempos revueltos de TVE, donde puede verse tres tipos de atuendo diferenciados. TVE.

Pero no quiero terminar, en esta presencia de la flor en la moda, sin retomar la importancia del estilo Liberty en la misma; empresa creada en 1875 por Arthur Lasemby Liberty, inprimiendo a sus telas su propio estilo de bellas estampaciones florales, teniendo cada una de ellas su propia historia en su composición, y no solo se hizo famosa la firma por ello, si no que iba acompañado de calidad y de innovación, convirtiéndose inmediatamente en moda intemporal. 

Estampado Liberty. Composición por el autor del blog. Fuente: Liberty. London

Decir moda no equivale a vestir bien y con elegacia, si no simplemente que cambia a tenor de los modistos\tas o alguien, incluso sin pretenderlo, personajes en esos momentos en la palestra de la notoriedad. Pero si hay una década que sobresalga sobre las demás, esa es la de los años 60, una moda caracterizada por la fusión de elementos masculinos y femeninos, jeans y minifaldas, como ejemplo. No se si prodigiosa, como dicen, pero habia llegado la hora de lo cambios sociales y por tanto un cambio también en la moda. Londres, París y Milán, se llevarán la palma de la moda. Moda que no sería solo en el vestir, si no en todos los complementos que todo ello conlleva, incluso en todo tipo de cosas de uso cotidiano. No quiero decir que las anteriores décadas fueran peores, seguro que peor en elegancia, eso estaba claro, si no que fue una revolución en todos los sentidos a partir de la libertad de expresión, inspirada en los cambios sociales que se estaban produciendo: en la política, en la lucha racial, rebeldia de los jóvenes sobre las normas establecidas, liberación de la mujer o los avances tecnológicos que se sucedieron,

"Moda espacial"Courrege(ctro)Getty images. 

como el primer vuelo soviético al espacio por Yuri Gagarin en 1961, moda espacial que crearia Adrée Courrege, asi como la minifalda, que luego la difundiría Mary Quant, con su famosa modelo, aniñada, Twiggi; los peinados de Vidal Sassoon en 1963 con su corte "Bob" o el corte de pelo de los Beatles.

La moda de los 60-70 en las aulas. Beverly Hills. California. Fotografias (parciales) by Arthur Schatz. Revista Life

Por otro lado, inspirado por las guerras, se lleva en el hombre el corte militar, pero en contraposición a esto, otros lo llevarian largo, era la rebeldía de los\las jóvenes en el vestir, el ser, el estar y el pensar, hasta llegar al Movimiento Hippy, finales de los 60 que culminaría en

Woodstock, festival en 1969, 3 dias de Peace y de Musica. Woodstock, fue la gran manifestación de los jóvenes de toda una generación, hippie o no, encabezada por la juventud estadounidense, en

Protesta de los jóvenes estadounidenses contra la guerra de Vietnam.  Fuente: wikimedia-Commons.

protesta contra la guerra del Vietnam y las guerras en general y de toda atadura que quisiera implantar el sistema, haciendo a finales de dicha década, de los colores del arco iris, las palomas y las flores, símbolos de paz, Peace & love; muy parecido al lema Paz y Bien, franciscano. Es

Woodstock, 1969. Tres dias de "Paz y música? Fuente: Wikimedia-Commons

verdad, que no todo ese movimiento fue de color de vino y rosas, pero los jóvenes, con sus diversos movimientos, como los Rockers, con sus motos y sus atuendos de cuero; los Mods, con una estética en el vestir más formal, como ocurrirá con el vestir de los Beatles, o los hippies, con su flower power, movimiento nacido en California y que será el que más influya en el atuendo de los jóvenes, asi como en accesorios, cambiarían la concepción del mundo y de la moda en todos los ámbitos, como cambiaría la percepción del espacio la conquista de la luna. 

Flower Power. Fuente: Web

Y para culminar esta 1ª parte de este breve paseo de la presencia de la flor en la moda, no vi mejor manera que hacerlo con el Movimiento Hippie, el flower power, donde el significado de las flores alcanzaría su mayor protagonismo. Dicho movimiento flower power, predicaba hacer el amor y no la guerra, en una palabra, la no violencia, a la libertad absoluta, a la felicidad por el espíritu, por el alma, sin ataduras de los sentidos, a poder ser en medio de la naturaleza. Y la flor, como símbolo de paz y amor, penetraria en las boca de los cañones de los fusiles acallándolos y en el asfalto agrietado de las ciudades. 

Epílogo

La vida es efímera como una flor, pero si esta la volvemos a sembrar volverá a crecer una y otra vez y nos regalará con la presencia de su belleza y de su perfume hasta el fin de nuestros dias. Así también, la moda renace una y otra vez, como el ave Fenix de sus cenizas. He ahí su magia.